SUBREALISMO
SUBREALISMO
El Surrealismo (en francés: surréalisme; sur ['sobre, por encima'] más réalisme ['realismo']), Sobrerrealismo, Suprarrealismo o Superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del adanismo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta Bretón.
Los términos surrealismo y surrealista proceden de Apellidare, quien los acuñó en 1917. En el programa de mano que escribió para el musical Parad (mayo de 1917) afirma que sus autores han conseguido
una alianza entre la pintura y la danza, entre las artes plásticas y las mimetices, que es el heraldo de un arte más amplio aún por venir. (...) Esta nueva alianza (...) ha dado lugar, en Parad a una especie de surrealismo, que considero el punto de partida para toda una serie de manifestaciones del Espíritu Nuevo que se está haciendo sentir hoy y que sin duda atraerá a nuestras mejores mentes. Podemos esperar que provoque cambios profundos en nuestras artes y costumbres a través de la alegría universal, pues es sencillamente natural, después de todo, que éstas lleven el mismo paso que el progreso científico e industrial.
http://es.wikipedia.org/wiki/Surrealismo
MÁXIMOS EXPONENTES DEL SURREALISMO:
Salvador Dalí
(Figueres, Gerona, 1904 - Púbol, 1989) Pintor español. Salvador Dalí nació en una madrugada de la primavera de 1904 en el seno de una familia burguesa, hijo de un notario bienpensante y de una sensible dama aficionada a los pájaros. Más tarde escribiría: "A los tres años quería ser cocinero. A los cinco quería ser Napoleón. Mi ambición no ha hecho más que crecer y ahora es la de llegar a ser Salvador Dalí y nada más. Por otra parte, esto es muy difícil, ya que, a medida que me acerco a Salvador Dalí, él se aleja de mí".Puesto que la persecución sería incesante y el objetivo no habría de alcanzarse nunca y, dado que en ningún recodo de su biografía estaba previsto que hallara el equilibrio y la paz, decidió ser excesivo en todo, intrepretar numerosos personajes y sublimar su angustia en una pluralidad de delirios humorísticos y sórdidos. Se definió a sí mismo como "perverso polimorfo, rezagado y anarquizante", "blando, débil y repulsivo", aunque para conquistar esta laboriosa imagen publicitaria antes hubo de salvar algunas pruebas iniciáticas, y si el juego favorito de su primera infancia era vestir el traje de rey, ya hacia sus diez años, cuando se pinta como El niño enfermo, explora las ventajas de aparentar una constitución frágil y nerviosa.
Su precocidad es sorprendente: a los doce años descubre el estilo de los impresionistas franceses y se hace impresionista, a los catorce ya ha trabado conocimiento con el arte de Picasso y se ha hecho cubista y a los quince se ha convertido en editor de la revista Studium, donde dibuja brillantes pastiches para la sección titulada "Los grandes maestros de la Pintura".
En 1919 abandona su Cataluña natal y se traslada a Madrid, ingresa en la Academia de Bellas Artes y se hace amigo del gran poeta granadino Federico García Lorca y del futuro cineasta surrealista Luis Buñuel, de quien sin embargo se distanciará irreversiblemente en 1930. En la capital adopta un extraordinario atuendo: lleva los cabellos largos, una corbata desproporcionadamente grande y una capa que arrastra hasta los pies. A veces luce una camisa azul cielo, adornada con gemelos de zafiro, se sujeta el pelo con una redecilla y lo lustra con barniz para óleo. Es difícil que su presencia pase desapercibida.
En los revueltos y conflictivos meses de 1923 sufre un desafortunado contratiempo. En la Academia de Bellas Artes a la que está adscrito se producen manifestaciones en contra de un profesor, y antes de que dé comienzo el discurso oficial y se desate la violenta polémica, Salvador abandona la sala. Las autoridades creen que con este gesto ha sido él quien ha dado la señal de ataque y rebelión y deciden expulsarlo durante un año.Joan Miró
(Barcelona, 1893-Palma de Mallorca, España, 1983) Pintor, escultor, grabador y ceramista español. Estudió comercio y trabajó durante dos años como dependiente en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse durante un largo periodo en una casa familiar en el pequeño pueblo de Mont-roig del Camp.De regreso a Barcelona, ingresó en la Academia de Arte dirigida por Francisco Galí, en la que conoció las últimas tendencias artísticas europeas. Hasta 1919, su pintura estuvo dominada por un expresionismo formal con influencias fauvistas y cubistas, centrada en los paisajes, retratos y desnudos.
Ese mismo año viajó a París y conoció a Picasso, Jacob y algunos miembros de la corriente dadaísta, como Tristan Tzara. Alternó nuevas estancias en la capital francesa con veranos en Mont-roig y su pintura empezó a evolucionar hacia una mayor definición de la forma, ahora cincelada por una fuerte luz que elimina los contrastes. En lo temático destacan los primeros atisbos de un lenguaje entre onírico y fantasmagórico, muy personal aunque de raíces populares, que marcaría toda su trayectoria posterior.
Afín a los principios del surrealismo, firmó el Manifiesto (1924) e incorporó a su obra inquietudes propias de dicho movimiento, como el jeroglífico y el signo caligráfico (El carnaval del arlequín). La otra gran influencia de la época vendría de la mano de P. Klee, del que recogería el gusto por la configuración lineal y la recreación de atmósferas etéreas y matizados campos cromáticos.
En 1928, el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus telas, lo que supuso un primer reconocimiento internacional de su obra; un año después, contrajo matrimonio con Pilar Juncosa. Durante estos años el artista se cuestionó el sentido de la pintura, conflicto que se refleja claramente en su obra. Por un lado, inició la serie de Interiores holandeses, abigarradas recreaciones de pinturas del siglo XVII caracterizadas por un retorno parcial a la figuración y una marcada tendencia hacia el preciosismo, que se mantendría en sus coloristas, juguetones y poéticos maniquíes para el Romeo y Julieta de los Ballets Rusos de Diaghilev (1929). Su pintura posterior, en cambio, huye hacia una mayor aridez, esquematismo y abstracción conceptual. Por otro lado, en sus obras escultóricas optó por el uso de material reciclado y de desecho.
La guerra civil española no hizo sino acentuar esta dicotomía entre desgarro violento (Cabeza de mujer) y evasión ensoñadora (Constelaciones), que poco a poco se fue resolviendo en favor de una renovada serenidad, animada por un retorno a la ingenuidad de la simbología mironiana tradicional (el pájaro, las estrellas, la figura femenina) que parece reflejar a su vez el retorno a una visión ingenua, feliz e impetuosa del mundo. No resultaron ajenos a esta especie de renovación espiritual sus ocasionales retiros a la isla de Mallorca, donde en 1956 construyó un estudio, en la localidad de Son Abrines.
René Magritte
(Lessines, Bélgica, 1898 - Bruselas, 1967) Pintor belga. Durante un primer período la obra de Magritte estuvo fuertemente influida por la figura de De Chirico y por la atmósfera misteriosa de sus pinturas. Más tarde entró en contacto con la vanguardia parisina del momento, presidida por André Breton, y comenzó a desarrollar un surrealismo que iría evolucionando con los años hacia un estilo muy personal, cuyos símbolos giran con frecuencia alrededor de la relación entre el lenguaje y sus objetos.Contrario ya al automatismo, su pintura se hizo reflexiva y minuciosa, y se caracterizó sobre todo por la asociación de elementos disímiles entre los que establece ingeniosas analogías o nexos insólitos y disparatados, pero convincentes dentro de la realidad pictórica. Así, sus referencias se van haciendo cada vez más intelectualizadas, hasta el punto de que muchas de sus obras deben leerse en relación con las tesis del estructuralismo. Son habituales en sus cuadros los juegos de duplicaciones, ausencias y representaciones dentro de representaciones.
Los cuadros de Magritte no son revelaciones oníricas ni jeroglíficos cuyo sentido hay que descifrar. Obras como Tiempo pasado (1939, Art Institute, Chicago) no ilustran nada en concreto, en ellas no hay nada más que la magia de una locomotora suspendida en una chimenea que actúa como túnel. Igualmente fantástica es la noche de oscuridad impenetrable que rodea una casa recortada contra un misteriosamente luminoso cielo en El imperio de la luz (1953-1954, Colección Peggy Guggenheim, Venecia). No hay otro enigma en Los amantes (1928, Colección privada, Nueva York) que el de sus rostros desconocidos aludiendo quizá a la imposibilidad de saber quién es el otro. Magritte manipula imágenes cotidianas como un juego con el que quiere devolvernos la frescura de la mirada.
En cuadros como Esto no es una pipa (1928) muestra el equívoco que subyace en la formulación de la pintura como representación de la realidad, y evidencia el décalage entre el lenguaje y la cosa que designa poniendo en cuestión la equivalencia entre la palabra y la imagen, y entre ésta y el objeto. La breve emoción de este descubrimiento es lo que Magritte nos ofrece como maravilloso, porque para la construcción de lo fantástico no hacen falta grandes alardes imaginativos, basta con la violación de las leyes que rigen el orden común poético de las cosas, con cuestionar la solidez de los principios, siempre convencionales y estereotipados, sobre los que construimos nuestra existencia cotidiana.
Man Ray
(Emmanuel Rudnitsky; Filadelfia, 1890-París, 1976) Fotógrafo y pintor estadounidense. Cursó estudios de diseño industrial y de arquitectura. Su prolífica carrera comprendió actividades pictóricas, escultóricas y fotográficas. Tuvieron gran influencia sobre su obra la emblemática exposición del Armory Show (1913) y el contacto con artistas dadá afincados en Nueva York, como F. Picabia o M. Duchamp. Son célebres sus ready-mades, como los titulados La puericultura II (1920), en el que una mano se asoma de un bote, o la plancha con clavos que bautizó como Regalo (1921). En 1923 realizó una escultura consistente en un metrónomo con una fotografía de un ojo colgada del péndulo, integrante de la serie que denominó «objetos indestructibles». En el ámbito de la fotografía, género al que se dedicó profesionalmente desde 1921, desarrolló técnicas nuevas, como el rayograma o la solarización, y cultivó el retrato, la fotografía de moda y la imaginería abstracta. También experimentó con el surrealismo en el marco de su actividad como cineasta en filmes como Retorno a la razón (1923) y Emak Bakia (1926).http://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/ray_man.htm
(Brühl, Alemania, 1891-París, 1976) Pintor y escultor alemán. Formó parte del movimiento dadaísta de Colonia, aunque desde 1919 ya realizaba asociaciones en sus obras que pueden considerarse surrealistas. Practicó diversas y originales técnicas pictóricas, siempre dentro de la estética de lo absurdo y dictadas por el automatismo característico del surrealismo. Empleó durante toda su vida el procedimiento del collage, como en La mujer de cien cabezas (1929). Mediante el balanceo de una lata de pintura agujereada experimentó la técnica del goteo, claro antecedente del futuro dripping de Jackson Pollock.
Max Ernst
(Brühl, Alemania, 1891-París, 1976) Pintor y escultor alemán. Formó parte del movimiento dadaísta de Colonia, aunque desde 1919 ya realizaba asociaciones en sus obras que pueden considerarse surrealistas. Practicó diversas y originales técnicas pictóricas, siempre dentro de la estética de lo absurdo y dictadas por el automatismo característico del surrealismo. Empleó durante toda su vida el procedimiento del collage, como en La mujer de cien cabezas (1929). Mediante el balanceo de una lata de pintura agujereada experimentó la técnica del goteo, claro antecedente del futuro dripping de Jackson Pollock.También usó el recurso de la decalcomanía, con el que duplicaba manchas de forma simétrica, y el método del frottage, que consistía en la reproducción de texturas, al pintar sobre un papel superpuesto a una superficie con relieves. Con este procedimiento trabajó sus colecciones de Bosques y de la Historia Natural entre 1926 y 1928. Gran parte de su producción se caracteriza por una temática inquietante y por la aparición de formas orgánicas y minerales que crean una atmósfera de pesadilla.
miércoles 26 de octubre de 2011
BIOGRAFIA Y OBRAS DE LOS ARTISTAS DEL POP ART
Derek Bossier aporto al arte pop británico una sólida vertiente satírica que diferencia su obra de la de sus compañeros de estudios del Royal Collage of Art. Sus pinturas de 1961-1962 contenían abundantes referencias a los asuntos de actualidad, sobre todo aquellos que tenían una dimensión política, como la carrera espacial entre Estados Unidos y la Unión Soviética. Productos de consumo como la Pepsi-Cola aparecían en su obra no como celebración de la cultura popular, sino como prueba de los insidiosos avances de las empresas internacionales y el proceso de americanización. Un conjunto de obras de 1962 creadas para la campaña de una nueva pasta de dientes analizaba el poder del queso de manipulación de la publicidad y de la consiguiente pérdida de la identidad individual. La cáustica interpretación que hizo Bossier de los medios de comunicación de masas y sus característicos “Hombres hechos a medida” –figuras que parecen haber sido recortadas y después reconstruidas como si de un rompecabezas se tratara, o bien como si hubieran sido sometidas a un proceso de desintegración– proceden directamente de su lectura de las obras de pensadores como Marshall McLuhan y John Kenneth Galbraith.
Su diversidad, su ojo único y su carácter la distinguen de todas las escuelas de pensamiento. A menudo ella ha incluido rostros de personajes públicos, miembros de su familia y amigos en sus esculturas. En una de sus exposiciones, «Marisol Escobar's ‘The Kennedys’ criticó la imagen de la familia en cuanto a que parecían ser más importantes que la vida misma». A veces también incluye en sus obras su interpretación del sufrimiento de la condición humana, por ejemplo en Dust Bowl Migrants y Father Damien. Esta última escultura es el elemento destacado en la entrada al Hawaii State Capitol y la Hawaii State Legislature en Honolulu. Una segunda versión de la Father Damien Statue se encuentra en la National Statuary Hall Collection en el Capitolio de los Estados Unidos. Su respeto por Leonardo da Vinci la llevó a realizar una representación escultórica de La Última Cena y La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana.
Los cuadros de Caulfield son figurativos, retratando a menudo unos pocos objetos sencillos en un interior. Típicamente, usa áreas planas de color simple rodeadas de perfiles negros. Algunas de sus obras están dominadas por un solo tono.
Sigmar Polke (Oels, Baja Silesia, 13 de febrero de 1941 - Colonia, Alemania, 10 de junio de 2010) fue un pintor alemán postmoderno, dentro del pop art.
Billy Apple, OZMO (su nombre de nacimiento es Barrie Bates[ en Auckland, Nueva Zelanda en 1935) es un artista cuyo trabajo está asociado con el de Nueva York y las escuelas británicas de arte pop en la década de 1960 y con el arte conceptual movimiento en la década de 1970. Ha colaborado con artistas como Andy Warhol y otros artistas pop. Su obra forma parte de la colección permanente del Museo de Nueva Zelanda, Te Papa Tongarewa (Nueva Zelanda), Auckland Art Gallery / Toi o Tamaki (Nueva Zelanda), el Christchurch Art Gallery / Te Puna o Waiwhetu (Nueva Zelanda), la Universidad de Auckland (Nueva Zelanda) y el SMAK / Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (Gante, Bélgica).
En 1962 Bates concebido Billy Apple: se blanquea el pelo y las cejas con Lady Clairol instantánea crema látigo y cambió su nombre por el de Billy Apple. Apple tuvo su primera exposición individual en 1963 - Apple ve Roja: Live Stills - en Londres a Victor Musgrave's Gallery One.
Apple se trasladó a Nueva York en 1964: que avanzaba su carrera artística y también encontró trabajo en varias agencias de publicidad.
Un acontecimiento fundamental fue la exhibición de 1964 "El Supermercado Americano", un espectáculo celebrado en la galería Pablo Bianchini Upper East Side. El espectáculo se presenta como un entorno pequeño supermercado típico, excepto que todo en él - el producto, productos enlatados, carne, carteles en la pared, etc - fue creado por seis artistas pop prominentes de la época, incluyendo a Billy Apple, Andy Warhol, Claes Oldenburg, Tom Wesselmann, Jasper Johns, Inman María, James Rosenquist y Robert Watts.
Apple fue uno de los artistas pioneros en el uso de neón en las obras de arte. Esto se ve en 1965 en la exhibitions Apples to Xerox and Neon Rainbows (exposiciones de manzanas de Xerox y los arco iris de neón), tanto en la The Bianchini Gallery. Luego, en 1967 en la Howard Wise Gallery, la exhibition Unidentified Flourecent Objects (UFOs) "exposición de objetos no identificados Flourecent (ovnis)" mostró una colección de Esculturas de luz de neón.
En 1969, el artista establecido de Apple, uno de los espacios alternativos por primera vez en Nueva York en el 161 Oeste Twenty-third Street en orden, según afirmó, "para proporcionar un espacio de experimentación alternativos e independientes para la presentación de [su] propio trabajo y el trabajo de los demás". Inicialmente, el espacio de la exposición fue parte de su propio estudio. Durante sus cuatro años Apple producido 35 obras en el lugar y organizó el trabajo de otros artistas como Geoff Hendricks, Mac Adams, Davi Det Hompson, Larry Miller y Vis Jerry. El espacio se considera tanto un espacio de exposición y un foro para el arte y el discurso.
En 1974 la primera exposición de Apple gran encuesta se llevó a cabo en la Serpentine Gallery en Londres : From Barrie Bates to Billy Apple. En 1975, Apple volvió a Nueva Zelanda por primera vez en dieciséis años. Durante la visita se embarcó en una gira de exhibición nacional con el apoyo de la Queen Elizabeth II Arts Council. Apple fue invitado de nuevo por el Consejo de las Artes para una gira durante el verano de 1979-1980. La exposición se realizó una gira llamada The Given as an Art Political Statement (La vista como una declaración de Arte Político). Durante cada visita expuso en espacios en todo el país.
Durante la década de 1980, la práctica de Apple se centró en la economía del mundo del arte. La exposición Art for Sale (Arte para la venta) en la galería Peter Webb en 1980 se componía de una serie de obras de arte que fueron los ingresos reales para el pago dado a la artista. Esto se ha avanzado a una serie llamada Transactions (transacciones). Otras series importantes de trabajo que comenzó en la década de 1980 incluyen la serie de Golden Rectangle (Rectángulo de Oro), y From the Collection (De la Colección).
Regresó a Nueva Zelanda, de forma permanente en 1990 y actualmente vive en Auckland. En 1991, la Wellington City Art Gallery realizaron una encuesta década de su obra: As Good as Gold: Billy Apple Art Transactions 1981-1991. Las negociaciones están en curso entre Saatchi & Saatchi y la horticultura Zelanda centro de investigación para desarrollar una nueva manzana que podría ser llamado "Billy Apple". En 2001, Apple creó una empresa, "Billy Apple Ltd" en previsión de obtener licencias de los derechos de comercialización en esta manzana nueva.
El artista tiene una larga data de interés y la participación en el automovilismo, que fue reconocida con la inclusión de dos vehículos de su propia colección en el 1991 As Good as Gold, así como en la publicación de acompañamiento. Este interés se puesto de manifiesto con el The Art Circuit, una obra rendimiento de sonido que incorpora motos famosas y jinetes en escena en la Auckland Art Gallery de estación de servicio en 2007. Esto fue seguido por el exhibición en solitario de 2008, The Bruce and Denny Show presentada en dos habitaciones en el 2008 como un homenaje a la marca McLaren, y en particular a los triunfos motor de Bruce McLaren y Denny Hulme 1967-1969. La exposición incluye 1,5 millones de dólares McLaren Hulme M8A-2 de carreras de coches y obras de texto que hacen referencia a las pistas corriendo y la librea de los dos pilotos de los coches.
En 2008, Apple fue objeto de un largometraje documental llamado "Being Billy Apple". Producido por Spacific Films y dirigido por el cineasta ganador de premios, Leanne Pooley, el documental narra la historia de Apple, la vida de Billy de su período de POP a través de su participación en el movimiento de arte conceptual en Nueva York durante la década de 1970 a su actual "hortícolas / arte" de Apple esfuerzos.
En 2009, el Adam Art Gallery, Wellington organizó la exposición encuesta Billy Apple: Nueva York, 1969-1973, que abarca las actividades realizadas por el artista en el no-con fines de lucro de galería, que se desarrolló en 161 West 23rd Street. Más tarde en 2009 Witte de With Centre for Contemporary Art de Amsterdam presentó una gran exposición en dos partes: la primera Billy Apple: A History of the Brand, las encuestas de toda la práctica del artista desde su inicio como su propia marca para el día de hoy; el segundo, Revealed/Concealed, se centra en sus obras de la crítica del sitio de arte a través de intervenciones arquitectónicas.
Derek Boshier nació en CheeseLand el 19 de junio de 1937. Entre los años 1953 y 1957 estudió en Yeovil School of Art. Después de ofrecer servicio militar, destinado en Haslemere, acabará sus estudios en el Royal College of Art (1959-1962).
Estilo
Derek Bossier aporto al arte pop británico una sólida vertiente satírica que diferencia su obra de la de sus compañeros de estudios del Royal Collage of Art. Sus pinturas de 1961-1962 contenían abundantes referencias a los asuntos de actualidad, sobre todo aquellos que tenían una dimensión política, como la carrera espacial entre Estados Unidos y la Unión Soviética. Productos de consumo como la Pepsi-Cola aparecían en su obra no como celebración de la cultura popular, sino como prueba de los insidiosos avances de las empresas internacionales y el proceso de americanización. Un conjunto de obras de 1962 creadas para la campaña de una nueva pasta de dientes analizaba el poder del queso de manipulación de la publicidad y de la consiguiente pérdida de la identidad individual. La cáustica interpretación que hizo Bossier de los medios de comunicación de masas y sus característicos “Hombres hechos a medida” –figuras que parecen haber sido recortadas y después reconstruidas como si de un rompecabezas se tratara, o bien como si hubieran sido sometidas a un proceso de desintegración– proceden directamente de su lectura de las obras de pensadores como Marshall McLuhan y John Kenneth Galbraith.La etapa pop del artista fue breve. Las pinturas que creo en India durante los años 1962-1963, cuya práctica totalidad fue destruida accidentalmente hacia el final de su estancia en dicho país, adaptan métodos narrativos similares a los del simbolismo hindú. A su vuelva a Inglaterra se dedicó brevemente a pintar con un lenguaje formal abstracto antes de pasar a la escultura minimalista, y más tarde, a la fotografía, al cine y al collage.
Pese a su continuo interés por experimentar con distintos medios, durante los años sesenta mantuvo un fuerte compromiso con temáticas políticas y sociales. En 1979 volvió al arte pictórico como actividad principal, en un principio tomando como base para sus cuadros imágenes extraídas de la publicidad y de los medios de comunicación, tal como había hecho en sus primeras obras pop y en sus collages posteriores. En 1980 se trasladó a Houston, Texas donde no tardó en encontrar una fecunda veta de imágenes nuevas en su entorno inmediato. Una de sus reacciones más divertidas y destacables a la influencia del nuevo entorno, fue una serie de pinturas que plasmaban baqueros desnudos. Durante toda esta década, antes de su vuelta a Inglaterra, elaboró su nueva iconografía con buenas dosis de humor y de cariño, aunque también con la distancia y visión irónica de un propias extranjero. Los temas Norteamericanos de la primera etapa de Dossier como artista pop, volvieron a aparecer en escena dos décadas después con un matiz nuevo, enriquecidos por su experiencia personal. A finales de 1990, Boshier volvió a transladarse a Estados Unidos, esta vez a los Ángeles, donde realizó una serie de cuadros que recuperaban temas e imágenes de las obras de su etapa de formación en el arte pop.
Maria Sol Escobar ( 22 de mayo de 1930), conocida como Marisol, es una escultora nacida en París de ascendencia venezolana. Se destacan sus obras de arte pop.
Arte Pop
Es en la década de 1960 comienza a ser influenciada por los artistas pop tales como Andy Warhol y Roy Lichtenstein. Marisol aparece en dos películas realizadas por Andy Warhol, El beso y Trece hermosas jóvenes. Una de sus obras más famosas de este período es La fiesta, un conjunto de siluetas tamaño natural en una instalación realizada en la Sidney Janis Gallery. Todas las siluetas o figuras, se encuentran departiendo en varias poses. Es curioso observar que Marisol se deshizo de su apellido Escobar para distanciarse de la identidad paterna y para «diferenciarse de la multitud».
Aunque Marisol recorrió varios movimientos artísticos, su estilo siempre ha sido distintivo y único. «No Pop, No Op, es Marisol!» fue la forma en que Grace Glueck tituló su artículo en el New York Times en 1965. El silencio ha sido una parte importante de su obra y vida, puesto que habla lo estrictamente necesario y se dice que en sus obras brinda silencio, «forma y peso». Habla en general poco sobre su carrera, llegando a decir, «Siempre he sido afortunada. A la gente le agradan mis obras».
Su diversidad, su ojo único y su carácter la distinguen de todas las escuelas de pensamiento. A menudo ella ha incluido rostros de personajes públicos, miembros de su familia y amigos en sus esculturas. En una de sus exposiciones, «Marisol Escobar's ‘The Kennedys’ criticó la imagen de la familia en cuanto a que parecían ser más importantes que la vida misma». A veces también incluye en sus obras su interpretación del sufrimiento de la condición humana, por ejemplo en Dust Bowl Migrants y Father Damien. Esta última escultura es el elemento destacado en la entrada al Hawaii State Capitol y la Hawaii State Legislature en Honolulu. Una segunda versión de la Father Damien Statue se encuentra en la National Statuary Hall Collection en el Capitolio de los Estados Unidos. Su respeto por Leonardo da Vinci la llevó a realizar una representación escultórica de La Última Cena y La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana.Patrick Caulfield, CBE (30 de enero de 1936 – 29 de septiembre de 2005) fue un pintor y grabador inglés conocido por sus lienzos pop art.
Vida y obra
Patrick Caulfield estudió en la Escuela de Arte de Chelsea a finales de los cincuenta, y en el Royal College of Art desde 1960 hasta 1963, donde entre sus compañeros estaban alumnos como David Hockney y R. B. Kitaj. Después de que lo abandonara, regresó a Chelsea como profesor.
En 1964 expuso en la muestra de la New Generation en la Galería Whitechapel de Londres, que dio como resultado el que se le relacionase con el pop art.
Desde alrededor de mediados de los setenta comenzó a incorporar elementos más detallados y realistas a su obra, After Lunch (1975) fue uno de los primeros ejemplos. Still-life: Autumn Fashion (1978) contiene una variedad de estilos diferentes -algunos objetos tienen intensos perfiles negros y color plano, pero un bol de ostras está representado más realisticamente, y otras zonas están ejecutadas con pinceladas más sueltas. Caulfield más tarde regresó a su estilo de pintura precedente, más desmontado.
Los cuadros de Caulfield son figurativos, retratando a menudo unos pocos objetos sencillos en un interior. Típicamente, usa áreas planas de color simple rodeadas de perfiles negros. Algunas de sus obras están dominadas por un solo tono.En 1987 Caulfield fue nominado al Premio Turner y en 1996 fue nombrado CBE.
El 24 de mayo de 2004, un fuego en un almacén destruyó muchas obras de la colección Saatchi, incluyendo una o más de Caulfield.
Murió en 2005, y está enterrado en el Cementerio de Highgate Cemetery. Entre los que han seguido su estilo se encuentran Michael Craig-Martin y últimamente Julian Opie.
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Biografía
Polke nació en Oels en la Baja Silesia. Emigró con su familia a Alemania Occidental en 1953, viajando primero a Berlín Oeste y luego a Düsseldorf.
Trabajó como aprendiz de pintura sobre cristal en la fábrica llamada Düsseldorf Kaiserswerth. Desde 1961 hasta 1967 estudió en la Academia de Arte de Düsseldorf, siendo sus maestros Karl Otto Götz, Gerhard Hoehme y Beuys.
En 1963 Polke fundó, con Richter y Lueg, el Kapitalistischen Realismus (Realismo Capitalista), una tendencia pictórica dentro del pop art. Era un anti-estilo de arte que se apropiaba del lenguaje de la publicidad. Este título se relaciona con el realismo socialista, por entonces la doctrina artística oficial de la Unión Soviética. Trata de una forma irónica la doctrina artística del capitalismo occidental, ligada a la sociedad de consumo.
Sus obras reflejan con ironía la manipulación de los medios de comunicación. Utiliza elementos de la pintura moderna pero también otros de la cultura de masas, como lo kitsch o de la publicidad. Ha realizado cuadros que, con un tratamiento especial, cambian de color al reaccionar frente a la contaminación medioambiental. A partir de 1965 hizo variaciones de obras clásicas de autores como Durero o Kandinsky, imitaciones de obras povera y conceptuales. De 1991 es su serie Neue Bilder (Nuevas Imágenes).
El elemento anarquista de la obra de Polke se engendra en gran medida por su enfoque mercurial. Su irreverencia hacia las técnicas pictóricas tradicionales y sus materiales y su falta de lealtad a ninguna forma de representación ha establecido su reputación, actualmente respetada, como un revolucionario visual. Paganini, una expresión de «la dificultad de exorcizar los demonios del nazismo» -en la que ha de observarse las esvásticas escondidas- es una obra típica de la tendencia de Polke a acumular una serie de medios distintos dentro del mismo lienzo. No es inusual para que Polke combine pintura y materiales caseros, con lacas, pigmentos, impresiones de pantalla y cubrir con transparencias en una sola pieza. Una «narrativa complicada» está a menudo implícita en el cuadro de varias capas, dando el efecto de atestiguar la proyección de una alucinación o de un sueño con una serie de velos.
Polke se embarcó en una serie de viajes por todo el mundo a lo largo de los años setenta, fotografiando en Pakistán, París, Nueva York, Afganistán, y Brasil. Ha sido profesor en la Escuela de Bellas Artes de Hamburgo en 1970-1971 y desde 1977 hasta 1991). Participó en la documenta de Kassel V-VII (años 1972-1982).
En 1978 se estableció en Colonia, donde siguió viviendo y trabajando hasta su fallecimiento en 2010 por complicaciones derivadas de un cáncer
POP ART
El Arte Pop fue un importante movimiento artistico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicacion tales como anuncios publicitarios, comoc book, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la musica pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elistica cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras,1 además de resaltar el aspecto banal de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironia
El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo Abstracto De cualquier forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones. Del mismo modo, el arte pop era tanto una extensión como un repudio del Dadaismo Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satiricos y anarquicos del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Macle goeroge wil.
El movimiento como tal surgió a mediados de los año 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados unidos con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos» ) y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la iroia y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto. En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular norteamericana, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad. El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos, mientras que los artistas norteamericanos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.
La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.
Son multitud las obras de arte pop basadas en historietas. Román Gubern destaca con Flash (1963), Richard Pettibone con Tricky Cad (1959), Jess Collins con Dick Tracy (1960), Andy Warhol con Good Mornig, Darling (1964) y Roy Lichtenstein con As I Opened Fire (1964). Con los años, algunos historietistas serían influidos a su vez por el Pop-Art. Es el caso del belga Guy Peellaert, autor de obras como Jodelle (1966) y Pravda la Survireuse (1968).
martes 25 de octubre de 2011
Pablo Ruiz Picasso
( Malaga, España; 25 de Octubre de 1881 - f. Mounguis, Francia; 8 de Abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braques y Juan Gris, del movimiento cubista
Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis en muchos movimientos artisticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la iludtracion de libros, la escultura, la ceramica y el diseño de escenografia y vestuario para montajes teatrales.
En lo político, Picasso se declaraba pasifista y comunista. Fue miembro del Partido comunista Franés hasta su muerte, el 8 deAbril de 1973 en Notre Dame -Vie (Moungis, Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenages.
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso» (según su partida de bautismo), fue el primer hijo de José Ruiz Blasco y María Picasso López. Nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España , en el seno de una familia pequeñoburguesa. Picasso tuvo dos hermanas, Dolores (1884-1958) y Concepción (1887-1895). De su padre se sabe que quiso ser pintor y fue profesor de dibujo en la escuela de Malaga llamada San Telmo. De la madre se conoce poco; al parecer era de una personalidad más fuerte que la de su marido, y Picasso tuvo siempre hacia ella mayor respeto y ternura, lo que algunos creen ver en el retrato que le dibujó en 1923.
Picasso empezó a pintar desde edad temprana. En 1889, a los ocho años, tras una corrida de toros y bajo la dirección de su padre pintó El pequeño picador, su primera pintura al óleo,de la que siempre se negó a separarse. En 1891, la familia abandonó Málaga, cuando el padre fue nombrado profesor en el Instituto de La coruña . Allí, Pablo trabajó en sus dibujos y mostró una fuerte confianza en sí y en sus dotes; tenía diez años. Sus primeros trabajos, de un realismo vigoroso y casi feroz, mostraban una temprana predilección por los personajes populares.
El de 1895 fue un año de sucesos importantes en su infancia; en enero, falleció su hermana Concepción, y en septiembre su padre obtuvo una cátedra en la Lonja, Escuela de Artes y Oficios de Barcelona, donde el joven Pablo fue admitido como alumno y cursó estudios durante dos años, lo que le condujo a pintar, quizás por complacer a su padre, una serie de cuadros en los que el academicismo sentimental del estilo sorprendía tras la vitalidad de los retratos que había realizado en La Coruña
Estudiante brillante y precoz, Picasso superó en un solo día, a la edad de catorce años, el examen de ingreso en la Escuela de bellas artes en Barcelona, y se le permitió saltarse las dos primeras clases. De acuerdo con una de las muchas leyendas sobre el artista, su padre, tras reconocer el extraordinario talento de su hijo al contemplar sus primeros trabajos infantiles, le entregó sus pinceles y su paleta y prometió no volver a pintar en su vida.
Durante el invierno de 1895 realizó su primer gran lienzo académico, La primera comunion (Museo Picasso Barcelona), en Barcelona, ciudad en la que residió unos nueve años, salvo algunas vacaciones de verano y estancias más o menos largas en Madrid y París. En 1897 presentó el lienzo Ciencia y caridad (Museo Picasso, Barcelona) en la Exposición General de Bellas Artes de Madrid 9 Durante el verano pasó, una vez más, sus vacaciones en Málaga, donde pintó paisajes y corridas de toros
En septiembre, marchó a Madrid para iniciar estudios en la Academia de nuevas artes pero pronto abandonó la Academia: la atmósfera intelectual de la capital, impermeable al modernismo catalan que Picasso intentaba introducir (fundó una pequeña revista en 1901, Arte Joven, que tuvo una existencia bastante breve) no le convencía. No obstante, aprovechó sus frecuentes visitas al Museo del prodo para conocer mejor la obra de El Greco, que era vindicada por artistas y estudiosos de finales del siglo XIX.
Desde 1898 firmó sus obras como «Pablo Ruiz Picasso», luego como «Pablo R. Picasso», y sólo como «Picasso» desde 1901. El cambio no parece implicar un rechazo de la figura paterna; antes bien obedecía al deseo de Picasso de distinguirse como personaje, iniciado por sus amigos catalanes, que tomaron la costumbre de llamarlo por el apellido materno, mucho menos corriente que el Ruiz paterno.
Volvió a Barcelona en junio de 1898, enfermo de escarlatina y se trasladó a Horta de Ebro (actual Horta de san Juan), el pueblo de su amigo Manuel Pallarés, situado al sur del Ebro cerca de la ciudad de Grandesa (Terra Alta, Tarragona ). En esta estancia, Picasso se reencontró con las raíces primordiales del país y con un cierto retorno a la naturaleza, más en consonancia con el ideario modernista, lo que constituyó uno de los primeros episodios «primitivistas» de su carrera.
Abandonado el propósito de vivir en Madrid para dedicarse a copiar a los grandes maestros, en febrero de 1899 estaba de vuelta en Barcelona donde comenzó a frecuentar la cervecería Els quate, insignia de la bohemia modernista y lugar en el que realizó su primera exposición individual e hizo amistad con Jaime Sarvates y Carlos Casagememas. En este ambiente Picasso entró en contacto con el pensamiento anarquista, implantado en Barcelona. La miseria reinante en los barrios bajos de Barcelona, los soldados enfermos y heridos que volvían a España tras la desastrosa Guerra de Cuba, crearon un caldo de cultivo de violencia social que sin duda marcó, a un nivel individual y moral más que puramente político, la sensibilidad de Picasso, y que pueden ser apreciados en ciertos dibujos realizados entre 1897 y 1901: El prisionero, Un miting anarquista.Georges Braque
(13 de mayo de 1882 - 31 de agosto de 1963), pintor y escultor francés. Con Pablo Picasso y Juan Gris fue uno de los tres creadores básicos del cubismo.
Georges Braque nació en Argenteuil-sur-Seine, Francia, en una familia de artesanos. Creció en Le Havre y estudió en la Escuela de Bellas Artes (Ecole des Beaux-Arts) desde 1897 hasta 1899.
Llegó a París en 1900. Allí estudió primero en la Academia Humbert, en la que conoció a Marie Laurencin y Francis Picabia, después, a partir de 1903, en la Escuela de Bellas Artes.
La exposición fauvista de 1905 le impresionó tanto que se adscribió a este estilo, usando preferentemente los colores rosa y violeta. Realizó en 1906 con Othon Friesz un viaje a Amberes y, durante el verano boreal de 1907, a La Ciotat y a L'Estaque. En otoño de ese mismo año, la exposición retrospectiva de Cézanne y la amistad que trabó con Pablo Picasso, que acababa de pintar sus Señoritas de Aviñón, le hicieron cambiar de estilo. El trabajo de ambos, en estrecha relación, hará surgir y evolucionar al cubismo. En el verano boreal de 1908 pinta paisajes en L'Estaque, en 1909, en Normandía y La Roche-Guyon.
En 1914, fue movilizado y participó en la Primera Guerra Mundial, siendo herido de gravedad en 1915. Regresó a París. En 1917 se reincorporó a su trabajo y realizó al final de la guerra una obra esencialmente basada en la naturaleza muerta.
En 1930 se compra una casa en Varengville, cerca de Dieppe. La Segunda Guerra Mundial le inspiró obras más serias y austeras. A partir de 1947, su trabajo se ve constantemente interrumpido por la enfermedad.
Murió el 31 de agosto de 1963 en París, a la edad de 81 años y actualmente hay un colegio en Nantes con su nombre.
Estilo
George Braques tuvo unos primeros momentos fauvistas. En el verano boreal de 1907 pinta en L'Estaque, lugar donde pintó Cézanne, una serie de paisajes "lineales" que son ya pre-cubistas.
Existen dos fases en su cubismo. En una primera época pinta cuadros de superficies superpuestas y planos angulares, componiendo a base de cubos; usaba pocos tonos cromáticos. Después pasó por una fase de "cubismo analítico" (1909-1912), en el que los objetos quedaban descompuestos en facetas hasta el punto de ser irreconocibles. En un tercer momento cultiva el "cubismo sintético", es decir, con unidad compositiva. Impulsa más que Picasso esta tendencia del cubismo sintético.
A la vuelta de la Primera Guerra Mundial desarrolló un estilo propio, con forma unida al color. Representa figuras de gran tamaño. Pinta algún paisaje. Y realiza, sobre todo, multitud de bodegones de estructura similar.
José Victoriano González-Pérez (Madrid, 23 de marzo de 1887 - Boulogne-sur-Seine, Boulogne-Billancourt, Francia, 11 de mayo de 1927), conocido artísticamente como Juan Gris, fue un pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París como uno de los maestros del cubismo.
Biografía
Entre 1904 y 1906 estudia en la escuela de artes y oficios de Madrid y en el estudio de José Moreno Carbonero. En su adolescencia es ilustrador de publicaciones como Blanco y Negro y Madrid.
En 1906 para evitar la milicia y conocer vida artística, se muda a París donde conoce a Pablo Picasso y Georges Braque. Vive en un hostal sin baño en el Bateau-Lavoir de Montmartre, durante alrededor de diez años.
Los primeros años vive dibujando para L'Assiette au Beurre y Charivari.
Biografía
Llegado a París en 1903, expuso por primera vez en el Salón de otoño de 1905. Se ganaba la vida dibujando carticaturas para los periódicos satíricos. Frecuentando los cafés y el Bateau-Lavoir, trabó relación con otros artistas, como Braque, Degas, Picasso, Apollinaire y el grupo de Puteaux. Este último le hará afrancesar su nombre con el del pueblo de Marcoussis, cercano a la capital.En sus comienzos, su pintura era impresionista, pero hacia 1910 se adhirió al movimiento cubista.
En 1913, se casó con su compatriota Alice Halicka, también pintora.
En 1925, expuso por primera vez en solitario. A partir de esa fecha se sucedieron los viajes y exposiciones: Gran Bretaña, Italia, Bélgica, Estados Unidos...
Durante los años 30 se dedicó especialmente al grabado.
En 1940, ante la llegada de las tropas alemanas, se refugia en Cusset en donde fallece un año después.
Fernand Léger (4 de febrero de 1881 - 17 de agosto de 1955). Pintor cubista francés.
Vida y obra
Entre 1897 y 1899 es alumno de un arquitecto en Caen; en 1900 se traslada a París, donde trabaja como dibujante de arquitectura, al tiempo que estudia en la Academia Julian. Tras cumplir su servicio militar (1902-1903), ingresó en la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas al no conseguir plaza en la de Bellas Artes, donde, como alumno libre, recibió lecciones de León Gérome y de Gabriel Ferrier. Visitó asiduamente el Museo del Louvre y, al igual que otros pintores de su generación, debió al impresionismo, iniciado en las galerías de la calle de Laffitte, la esencia de su formación artística.
Sus primeras obras datan de 1905 y son de clara influencia impresionista.
Desde los primeros momentos, el cubismo de Léger se orienta hacia el desarrollo de la iconografía de la máquina.
Desnudos en el bosque (1909-1910), inspirado posiblemente en el cuadro de Picasso de 1908 del mismo título, convierte el tema en una habitación llena de artefactos y robots, donde parece apartarse de la férrea doctrina de Cézanne de pintar a partir del cilindro y el cono; la sobriedad de los colores, unida a la actividad frenética de los robots, crea una atmósfera simbólica de un mundo nuevo y deshumanizado. En algunos aspectos es una anticipación del futurismo italiano.
En 1910 expone con Braque y Picasso en la galería de Kahnweiler donde, en 1912, hace también su primera individual. Al siguiente año comienza a investigar sobre formas de máquinas representadas con colores primarios, llegando en ocasiones a una estructura abstracta que se hace más explícita con los títulos, como por ejemplo Contraste de formas, de 1913, donde se acerca a las ideas de Delaunay sobre los contrastes de color, aunque manteniendo la marcada tridimensionalidad de sus primeros trabajos. Su fascinación por las formas geométricas y los colores brillantes le lleva a menudo al borde de un arte abstracto, que siempre acaba rechazando.
En Escalera, de 1914, vuelve a pintar la figura y su entorno, pero construyéndola mediante las formas abstractas utilizadas anteriormente.
Entre 1914 y 1917 cumple su servicio militar. La experiencia de la guerra le revela las posibilidades visuales de las máquinas como iconos de la modernidad; aunque su estilo ya estaba predispuesto en esta dirección, a partir de entonces usa las formas cilíndricas y geométricas para idear un mundo mecanizado, aunque, a diferencia de los futuristas, no venera a la máquina, sino que quiere reconciliar sus formas metálicas y regulares con las formas orgánicas, para construir una visión humanista.
La ciudad, de 1919, es una obra clave en las investigaciones de Léger sobre la relación de la realidad con la superficie pintada. En este cuadro controla el habitual aspecto escultórico de su pintura a través de la rigidez arquitectónica, estableciendo la primacía de la bidimensionalidad del plano pictórico; utiliza diversos métodos avanzados de cubismo sintético para conseguir todo tipo de variaciones ilusionistas.
En las obras de este periodo que tienen como tema la ciudad, la figura humana aparece despersonalizada y mecanizada, adaptada al ambiente que la circunda. El artista traduce la energía de la vida contemporánea a equivalentes pictóricos; masa, color y forma se confrontan en una multiplicidad de relaciones, creando imágenes independientes que producen sensaciones simultáneas; los planos se disponen de forma equilibrada y las composiciones se organizan por zonas bien definidas de color puro, uniforme y claramente delimitado. "Los elementos pictóricos de Léger, netos, simples, variados, producen, como las máquinas ideales, efectos de extraordinaria potencia" (Flint).
En los primeros años veinte colabora con el escritor Blaise Cendrars en algunas películas, y diseña escenografías y trajes para los Ballets suédois de Rolf de Maré.
En 1923-1924 trabaja en su primera película sin argumento, Ballet mécanique, en la que interviene también Man Ray. En 1924 abre un taller con Ozenfant, y en 1925 hace sus primeros murales en el Pabellón del L'Esprit Nouveau de Le Corbusier para la Exposición Internacional de Artes Decorativas.
Durante los años veinte y treinta, Léger se muestra abierto a los estilos que se desarrollan. Algunos de sus cuadros de estos años muestran ciertas influencias de Kandinsky, de De Stijl y del Surrealismo.
El tema que más desarrolla en esta época es la figura, en composiciones como Tres mujeres (1921), donde las figuras se muestran despersonalizadas, como volúmenes mecánicos modelados a partir del fondo geométrico, dando un paso más hacia la abstracción, al mismo tiempo que evoca un ambiente Art Déco. En cuadros como éste se acerca claramente al purismo de Ozenfant y Le Corbusier.
En 1931 visita por primera vez los Estados Unidos y, en 1935, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Instituto de Arte de Chicago exponen su obra.
Entre 1940 y 1945 vive en los Estados Unidos, y vuelve a Francia al final de la guerra. Durante su estancia en Estados Unidos es profesor de la Universidad de Yale.
En los últimos diez años de su vida hace ilustraciones de libros, cuadros de figuras monumentales, pinturas murales, vidrieras, mosaicos, esculturas polícromas de cerámica y escenografías teatrales. En 1955 gana el gran premio de la Bienal de Sao Paulo.
